设计趋势人物 | 李红：不被定义的“自我”

李红，本名尔玛其桑桃子，是中国工艺美术家协会会员，四川省美术家协会会员。其倡导真实做人，艺术生活，创作范畴涵盖绘画、装置、家居产品类的艺术设计，旨在建立生活与艺术之间桥梁的公共介入。作品多以木材、金属、布料与新型材料结合，重新发现和认识中国传统文化中造型艺术及其所具有的深厚生命力。

# 01

是斜杠青年，更是不受限、不被定义的“自我”

深耕设计领域多年的李红，在室内设计、软装设计、家居设计、材料研究等方面皆有着深度的见解。我们常常看见，她活跃于各种平台 —— 今天在某某大赛担任评委，明天是社交平台上的大V被粉丝们不断催更，后天又马不停蹄地发布了最新的设计作品。

设计师、自由画家、专栏作者、材料研究者、讲师、社交平台上的KOL，每一个身份似乎都在定义她，但是每一个身份又是她不受限制的原因。她说：“每个人都不是一座孤岛，所有人的不幸福和苦难都是我们生命一部分。一定要培养在工作之外的激情做个斜杠青年。”因此，面对人生的挑战，她始终“轻装上阵，放空自我”，以第三者的视角审视自我，并填充缺失的那一部分，再利用优势不断优化自身的资源和知识体系。

李红曾坦言设计对于她来说是“痛苦的过程”与“片刻的欢愉”。但当被问及为何选择进入设计领域时，李红颇具深意的回答道：“设计让我的生命充满意义”。或许正是这种意义，让她在设计中，痛苦并享受着，孤独亦愉悦着。

“在设计这个行业中，设计师必须要迅速找到属于自己的位置。动作要快，姿势要帅，否则你很可能就没有机会了。”李红缓缓说道。

# 02

设计源于艺术，更源于生活

“概念的起源一定是来自对周遭事物的观察，我们的生活离不开设计。”李红关于设计的启蒙，源于艺术，更源自于生活。美术教育专业出身的她，往往善于自艺术的海洋中、从生活的细节中发现美，呈现美。

2020年，在40UNDER40中国（四川）设计杰出青年思想会上，李红从青年画家罗玉其先生的《向日葵》中汲取灵感，并以画家本人画的小黄鱼为整体印象，设计了一个向日葵金鱼的艺术装置。

这是一个25平方的黑盒子，朦胧的灯光、轻盈的欧根纱面料、舞动的仿真花向日葵，以及一些狗尾巴杂草......一半是海水，一半是火焰，恰如罗玉其先生的每一束向日葵和每一条鱼，在一片喧嚣的灿烂背景中，充斥着热闹的色彩，每一个个体在其中显得尤为孤独、有个性。

“做‘设计师’这一行，要在为他人服务的过程中身体力行地去呈现‘美’这件事，这本来就是一个痛苦的过程。片刻的欢愉来自于呈现的好结果和客户的肯定 —— 我们终将以各种方式走向成熟。”李红曾在自己的文章中写道。

彼时，已然四十岁的李红，在这一场设计中，基于自己对于生活、对于艺术、对于设计的独特理解，诠释了自己的四十岁，同时也致敬了许许多多设计师的四十岁。

在她看来，从某种层面上看，艺术与设计，实际上是两种抱有不同目的性的创作形式。我们常常会被问及，艺术从哪里来？李红也曾有过这样疑惑，并在网上搜索过许多关于艺术的起源学说，比如模仿说、游戏说、表现说、巫术说等。但这些都不是她想要的答案。

最终她引用了英国人贡布里希（E.H. Gombrich）的一句话来阐述自己的观点，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”她认为，所有能给我们带来感动的艺术和艺术品，往往都包含了人类自身最真挚的情感。因此，艺术从来都是真实的感情，设计亦是如此。

# 03

设计师的精神时代已然来临

伴随着疫情常态化、经济环境收紧、消费需求转型升级，设计的底层逻辑随之改变。李红在2020年的一篇文章中提及，“设计师的物质时代已经过去，精神时代已然来临。”

从前，当物质相对贫瘠的时候，我们对于“家”的想象可能是宽敞明亮的客厅、现代化的厨卫设施、温馨舒适的卧室。但来到今天，当物质需求已经被满足，日常生活之外的“诗与远方”，成为了当代消费群体的一种精神需求。而这种转变直接影响着设计师走向新的精神时代。

李红认为，“精神是一切的基础，精神能创造物质”。在她的作品中，我们不仅仅看见了她对时代的理解，更多的是，她站在使用者角度的设计巧思。在她的设计理念中，一个好的设计师，一定是要在以人为本的前提下，尊重自然规律，尊重建筑和室内的生长规律，尊重设计业态的市场规律，尊重投资者的经验，并用自身的设计经验和设计知识替他人服务，为社会服务，创造价值。

这是一个25平方的黑盒子，朦胧的灯光、轻盈的欧根纱面料、舞动的仿真花向日葵，以及一些狗尾巴杂草......一半是海水，一半是火焰，恰如罗玉其先生的每一束向日葵和每一条鱼，在一片喧嚣的灿烂背景中，充斥着热闹的色彩，每一个个体在其中显得尤为孤独、有个性。

“做‘设计师’这一行，要在为他人服务的过程中身体力行地去呈现‘美’这件事，这本来就是一个痛苦的过程。片刻的欢愉来自于呈现的好结果和客户的肯定 —— 我们终将以各种方式走向成熟。”李红曾在自己的文章中写道。

彼时，已然四十岁的李红，在这一场设计中，基于自己对于生活、对于艺术、对于设计的独特理解，诠释了自己的四十岁，同时也致敬了许许多多设计师的四十岁。

在她看来，从某种层面上看，艺术与设计，实际上是两种抱有不同目的性的创作形式。我们常常会被问及，艺术从哪里来？李红也曾有过这样疑惑，并在网上搜索过许多关于艺术的起源学说，比如模仿说、游戏说、表现说、巫术说等。但这些都不是她想要的答案。

最终她引用了英国人贡布里希（E.H. Gombrich）的一句话来阐述自己的观点，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”她认为，所有能给我们带来感动的艺术和艺术品，往往都包含了人类自身最真挚的情感。因此，艺术从来都是真实的感情，设计亦是如此。

# 03

设计师的精神时代已然来临

伴随着疫情常态化、经济环境收紧、消费需求转型升级，设计的底层逻辑随之改变。李红在2020年的一篇文章中提及，“设计师的物质时代已经过去，精神时代已然来临。”

从前，当物质相对贫瘠的时候，我们对于“家”的想象可能是宽敞明亮的客厅、现代化的厨卫设施、温馨舒适的卧室。但来到今天，当物质需求已经被满足，日常生活之外的“诗与远方”，成为了当代消费群体的一种精神需求。而这种转变直接影响着设计师走向新的精神时代。

李红认为，“精神是一切的基础，精神能创造物质”。在她的作品中，我们不仅仅看见了她对时代的理解，更多的是，她站在使用者角度的设计巧思。在她的设计理念中，一个好的设计师，一定是要在以人为本的前提下，尊重自然规律，尊重建筑和室内的生长规律，尊重设计业态的市场规律，尊重投资者的经验，并用自身的设计经验和设计知识替他人服务，为社会服务，创造价值。

面对当下中国的设计，李红提出，一方面，由于信息通讯的高速发展，我们已经处于没有隔阂的时代，各种流行或者即将流行的标签，已经看不出地域或文化的差异。另一方面，基于无国界或是无城市界限的设计，国际化是优势，但对设计者来说，向内和向外是同等重要。因此，只有关注当下，关注身边，关注眼前，才能做更有生命力的设计。

在李红的身上，我们可以轻易地捕捉到很多关键词，比如羌族人、斜杠青年、70后设计师、社交平台的内容创作者等等。一直以来，她都在以专业探索的精神去不断发掘兴趣以及充实自我。但如果非要用一个词来介绍李红，或许应该是 —— 设计师李红。

访谈的最后，她借比利时雕塑家盖卢瓦曾说过的话 —— “你看见的，是我塑造的；你没看见的，就是我心中所追求的”，寄望于新一代年轻设计师，希望他们能成为一个专业、无畏、天真的好设计师。同时，也鼓励像年轻设计师一样依旧努力在设计前线的自己，做好当下，从当下探索未来，共创设计趋势的未来。